Blog

Christiania Teater: Rain man

publisert på shakespearetidsskrift.no januar 2024

Bjarte Hjelmeland og Nicolai Cleve Broch i «Rain man» , regi: hanne Tømta. Christiania Teater 2024. Foto: Fredrik Arff

Tam Rain man

Hvorfor Christiania Teater setter opp en sceneversjon av den Oscar-vinnende filmen «Rain man» fra 1989 forblir uklart. Teaterstykket av Dan Gordon, basert på filmen, er tynt, selv om historien er feelgood-underholdning. Oppsetninga om to brødre på spekteret blir ikke usympatisk, men ganske lunken.

Av Elin Lindberg

RAIN MAN av Dan Gordon

Norsk oversettelse: Lars Berge

Regi: Hanne Tømta

Scenografi: Gjermund Andresen

Lyddesign: Erik Valderhaug

Lysdesign: Martin Myrvold

Musikalsk ansvarlig: Hans Einar Apelland

Kostymedesign: Nora Furuholmen

Maskør: Hege Ramstad

Rekvisitør: Tine Røtnes

Produsert av Over Norge & StarWorks

Christiania Teater, premiere 11.januar 2024

Om du noen gang har sett filmen Rain man, glemmer du den ikke. Dustin Hoffman fikk en velfortjent Oscar for sin tolkning av den autistiske Raymond Babbit, og prestasjonen til Tom Cruise som den kyniske forretningsmannen Charlie Babbit var også formidabel. Det blir for store sko å fylle selv for Bjarte Hjelmeland og Nicolai Cleve Broch. Rain man er en ikonisk amerikansk film på flere vis. Ordet «vei-film» klinger ikke særlig godt på norsk, men det gjør derimot «road movie» – og det er Rain man. Den knytter seg til det amerikanske landskapet – både rent fysisk, men også i mentalitet. Filmen jorder seg i det amerikanske gjennom kjøreturene i storslått, om enn nokså gold natur, og gjennom by- og industriområder, og ikke minst gjennom fenomenet Las Vegas med sin kvalmt overflatiske kultur.

Bleikt

Det blir umulig å ikke sammenligne sceneversjonen av Rain man med filmen. Historien er den samme, 1980-tallssettingen er den samme. Men når det visuelle i filmen gjør så dypt inntrykk, blir scenografien her svært bleik. På scenen står en lang disk som er anvendelig til mange formål. Den er kontormøbel, bardisk, romdeler på hotell og annet. Christiania Teater har dreiescene som brukes flittig og hensiktsmessig til å forandre rommet. Stoler og senger bæres effektivt ut og inn. Gjermund Andresens rom er enkle og funksjonelle og overspiller på ingen måte. De er med på å framheve skuespillerne, og det kan jo være en god kvalitet. Men dette er jo 80-tallet, og det var ikke minimalismens tidsalder – da var det glitter, plysj og skulderputer. Det blir noe litt for tekkelig og pent over både scenografi og kostymer. Det blir rett og slett for bleikt.

Brødrene

Rain man handler om den noe snuskete forhandleren av luksusbiler Charlie Babbit (Nicolai Cleve Broch) som etter at faren er død oppdager at han har en bror, Raymond Babbit (Bjarte Hjelmeland) som er savant autist – autistisk med ekstraordinære evner. Gjennom reisen tvers over USA, fra Cincinnati til Los Angeles, blir de kjent med hverandre. Et klassisk reisemotiv altså, der de reisende utvikler seg og får nye innsikter underveis. I 1989 var både mannsrollen og diagnostiseringsiveren ganske annerledes enn i dag. I 2024 ville begge brødrene sannsynligvis blitt plassert på autismespekteret. I 1989 ble det ikke sett på som så uvanlig og unormalt at menn ikke kunne snakke om følelser, eller hadde kontakt med egne følelser. I dag vil det ofte bli diagnostisert. Mannsrollene i stykket oppleves som utdaterte. Hvordan ville et slikt brødreforhold utviklet seg i 2024? Hvem er Charlie og Raymond i dag? Hvordan ser vi på autisme? På hvilken måte ser vi på representasjon av autister på scenen i dag? Dette er ikke noe vi får svar på i dette historiske stykket.

Lunter avgårde

Foto: Fredrik Arff

Historien på scenen lunter avgårde. Det er ikke direkte kjedelig, men den mangler noe i energi og intensitet. Hanne Tømtas regi er ryddig, men noen av scenene blir litt langdryge. Mot slutten kan det nesten se ut som om de ikke ble helt ferdige, for siste scene der Raymonds videre skjebne skal avgjøres blir ganske så monoton. Lars Berges oversettelse fra engelsk til norsk er stort sett grei, men det blir noen formuleringer som ikke er helt heldige og blir anglisismer, for eksempel når Dr. Marston (Ulla Marie Broch) sier: «denne morgenen skal vi…».

Jeg savner desperasjonen i karakteren Charlie. Han er på konkursens rand. Han er intenst opptatt av å skaffe seg de pengene han trenger. Penger er alt for ham. Det er dessverre for Cleve Broch uunngåelig å bli sammenlignet med den sitrende Tom Cruise. Og Dustin Hoffman som i hver bevegelse er intenst til stede i sin autisme med en vanvittig energi – vel, Hjelmeland blir bare en svak kopi.

Energisk start

Starten på forestillinga var litt oppsiktsvekkende. Nicolai Cleve Broch som Charlie går rundt på scenen med en 80-tallstelefon og snakker om pengene han mangler. En stemme bak i salen roper høyt noe om hvorfor skal han se på Nicolai Cleve Broch – hvorfor skal han se på dette her. Mannen blir geleidet ut av salen. Var dette avtalt spill? Vi var i tvil helt til vi i pausen fikk høre at det var «en syk mann» som hadde ropt. Det førte uansett til at kontakten mellom scene og sal ble vekket. Publikum heiet på Broch som tok avgjørelsen der og da om å starte forfra igjen. Og teksten som hadde vært litt ullent framført, kom faktisk bedre fram etter omstarten. Publikum var i det hele tatt mye med. Det ble ofte applaus mellom scenene.

Greit

Foto: Fredrik Arff

Skuespillerhåndverket i oppsetninga av Rain man er likevel greit, tross det stjernespekkede forlegget vi ikke kan unngå å sammenligne med.

Birollene i stykket er ikke spesielt utarbeidete, og de har ikke så veldig mye å spille på. Susan (Anette Amelia Larsen) gjør en helt grei jobb, men som Charlies kjæreste er det vanskelig å se hvorfor hun er nettopp det, altså en kjæreste. Hva er det hun ser i ham? Det oser ikke direkte lidenskap her. Per Frisch er også helt ok som Dr. Vern Bruener, det er også Jannike Kruse som har småroller som sekretæren Lucy, den luksusprostituerte Iris og servitøren Sally. Ulla Marie Broch gjør en grei jobb som juristen Mooney og dr. Marston. Castingen er god. Men hvorfor i all verden setter de opp Rain man nå?

Vega scene: GJENFERD: DETTE ER IKKE FORENELIG MED MENNESKETS SJEL

publisert på shakespearetidsskrift.no mars 2024

Trine Wiggen og Charlotte Frogner leser «Gjenferd – dette er ikke forenlig med menneskets sjel», Vega Scene 2024. Foto: Vibeke Harper

Ethvert drap er en tragedie. Ethvert menneske er like mye verdt.

Ett av arrangementene som inngår i Motforestillinger på HUMAN 24: I LOVE GAZA-program under HUMAN Internasjonale dokumentarfilmfestival 4.-10. mars er den iscenesatte lesninga av «Gjenferd – dette er ikke forenlig med menneskets sjel». På Vega scene kommer vi nærmere enkeltmennesker på Gaza under den pågående krigen. Lesninga er enkel og verdig. Sammen opplever vi sorg og sinne, avmakt og tungt alvor.

Av Elin Lindberg

GJENFERD: DETTE ER IKKE FORENELIG MED MENNESKETS SJEL

av forfatter Atef Abu Saif og scenekunstner Ali Abu Yassin.

Oversatt av Vibeke Harper

Manus og iscenesettelse: Vibeke Harper og Marius Kolbenstvedt / Motforestillinger

Med: Charlotte Frogner og Trine Wiggen.

Vega Scene, HUMAN 24: I LOVE GAZA, torsdag 7. mars

I Gjenferd – dette er ikke forenlig med menneskets sjel forteller forfatter Atef Abu Saif og scenekunstner Ali Abu Yassin om hvordan de opplever, og har opplevd, å leve på det okkuperte Gaza under den pågående krigen. Lesninga er en del av Motforestillingers bidrag til HUMAN 24: I LOVE GAZA-program under HUMAN Internasjonale dokumentarfilmfestival som er et samarbeid mellom HUMAN og Vega Scene.

To palestinske kunstnere

Lesninga starter med at Vibeke Harper og Marius Kolbestvedt som er menneskene bak Motforestillinger, presenterer rammen rundt teksten vi skal høre. Harper nevner kort de brutale faktaene: «30 534 er blitt drept i Gaza. 1 139 drept i Israel. Minst 420 drept på Vestbredden. Minst 12 500 av disse er, eller var, barn.» Kolbenstvedt presenter den ene av menneskene bak tekstene: Atef Abu Saif som er forfatter og nylig avgått kulturminister i de palestinske selvstyremyndighetene (PA) i Ramallah. Harper presenterer den andre: Ali Abu Yassin som er skuespiller, regissør og dramatiker. Begge er invitert til Norge, men ingen av dem får lov til å komme. Saif får ikke visum, Yassin er internt fordrevet i Gaza, han og familien hans kommer seg ikke ut derfra. Yassins siste store teaterforestilling var The Photographer – et monologteaterstykke skrevet av Atef Abu Saif. Forestillingen hadde premiere i 2016 og ble spilt for fulle hus i to år på Said Al Mishal Cultural Centre i Gaza. Dette teatret er nå utslettet av israelske raketter.

Nakent og nært

Det var Atef Abu Saif og Ali Abu Yassin som skulle presentert tekstene sine selv. Yassin var også invitert for å spille The Photographer under festivalen. Det ble dessverre ikke mulig fordi han er fanget i det fengselet Gaza nå er blitt. Alternativene Motforestillinger har fått på plass er svært gode. Det er Charlotte Frogner og Trine Wiggen. De fyller tekstene med liv slik at de blir virkelige for oss. De fyller dem med verdighet og medmenneskelighet slik at de blir følbare for oss – slik at de blir sittende i oss. De leser enkelt og nært. Bedre kan det ikke gjøres. De sitter bak et enkelt bord midt på scenen. På bordet ligger bare manus, brillene deres og ei vannflaske. Og det står ei vannmugge der. I vannmugga er det også biter av sitron. Sitron er en middelhavslandfrukt. Det er neppe intendert, men slik blir vi på en måte fysisk bundet sammen med middelhavslandene – som også innbefatter Palestina.

Det mellommenneskelige

Charlotte Frogner og Trine Wiggen veksler på å lese tekstene til de to forfatterne. Det at de som leser er kvinner, og ikke menn som forfatterne, gjør kanskje det at forfatterne selv ikke er til stede, enda mer synlig. Frogner og Wiggen spiller ikke, de leser et vitnesbyrd. Det er Wiggen som leser teksten til Atef Abu Saif. Som kulturminister var han på et offisielt besøk i Gaza sammen med sønnen sin som skulle benytte anledningen til å besøke besteforeldrene sine, da krigen plutselig brøt ut i oktober i fjor. Saif skulle opprinnelig bare være i Gaza i tre dager – det ble 85. I slutten av desember fikk han og sønnen komme ut fordi Saif hadde posisjonen som minister. I hele den perioden han var innestengt i Gaza skrev han dagbok. Det er denne Saifs tekst er bygd på.

Fanget i sitt eget land

Selv om Ali Abu Yassin er en kjent person i Palestina, har han ikke som Saif fått muligheten til å reise ut av det helvetet det er i Gaza akkurat nå. Ikke han og familien hans, og ikke de andre millioner av internt fordrevne menneskene som akkurat nå lever livene sine der. Harper og Kolbenstvedt holder kontakten med ham når det er mulig å komme gjennom på telefon og nett. Slik får han formidlet sin viktige historie omhvordan det er å være menneske i Gazanå.Frogner leser om hvordan Yassin og familien hans, på tross av alt, prøver å holde motet oppe. Og hun leser om den alltid tilstedeværende døden:

«Døden er et problem for de levende. For de som må leve videre alene, uten de døde. Familie og venner lider på grunn av sine kjæres fravær. Noen lever videre i all evighet, andre dør etter begravelsen. Døden er en forferdelig erfaring å bære på.

For de levende.»

Krigen må stoppe nå!

Mediene gir oss hver dag bilder av menneskene som lider under Israels pågående folkemord. Det bombes kontinuerlig. Israel stopper trailerne med mat, medisin og nødhjelp slik at de ikke får kommet inn i Gaza. Rent vann er mangelvare. Mat blir droppet fra fly, men når neppe de som virkelig trenger den mest. Barna sulter i hjel. Det er hjerteskjærende. Det er forferdelig. Vi som ser på krigen langt borte fra – hva kan vi gjøre? Små handlinger, men som sammen med andre, kan være meningsfulle ved at vi synliggjør og legger press på våre egne lands myndigheter om å gjøre noe.

Ekte mennesker dør

I Gjenferd – dette er ikke forenlig med menneskets sjel møter vi ikke bare tall og navnløse ofre. Saif forteller om niesen sin. Hun mister familien sin, moren sin og flere søsken, i et bombeangrep. Hun heter Wissam og er en ung kunstner, nettopp uteksaminert fra kunstakademiet i Gaza. «Dagen før krigen brøt ut, feiret hun en vellykket eksamen», leser Frogner. Wissam overlevde et bombeangrep, men begge bena hennes og den høyre armen hennes måtte amputeres.

Gjennom denne lesninga får ofrene navn og kropp. De blir virkelige for oss. De kommer til å angå oss enda sterkere enn de ufattelige tallene på drepte.

Motforestillinger har flere lesninger og arrangementer under HUMAN 2024: I LOVE GAZA. De har også opprettet en Spleis for å få Ali Abu Yassin og familien hans ut av Gaza.

Brent Busk teater: MADE IN CHINA

publisert på shakespearetidsskrift.no juni 2024

«Made in China» av Espen Klouman Høiner og Brent Busk teater 2024. Foto: Espen Klouman Høiner

Ingenting rommer alt

I et lite skogsområde på Nesodden sitter vi på en kvisthaug og ser på busk og kratt i regnet. Og ja, blandingsskogen spiller hovedrollen godt, «Made in China» av Espen Klouman Høiner og Brent Busk teater blir minneverdig.

Av Elin Lindberg

MADE IN CHINA

Regi og tekst: Espen Klouman Høiner

Av og med Brent Busk teater: Sebastian Warholm, Gina Lindås Theodorsen, Mikkel Gundelach, Maria Lingfors, Maria Hildonen, Camilla Vatne Barrat-Due, Signe Becker, Espen Klouman Høiner, Brennende Busk

Musikk, lyd: Camilla Vatne Barrat-Due

Kostymer og visuelle elementer: Signe Becker

Lyddesign og teknikk: Ådne Meisfjord

Plakat: Axel Becker

Co-produksjon: Black Box teater og Rosendal Teater

Skogsområde ved Nesoddparken kunst- og kulturnæringssenter, fredag 7.juni 2024

Made in China er en del av Espen Klouman Høiners doktorgradsprosjekt «Skuespillerens skapende rom – kunstneriske strategier for den autonome skuespilleren i et tekstbasert og framtidsmytisk teater» ved Kunsthøgskolen i Oslo. Espen Klouman Høiner har lang fartstid som skuespiller og teaterskaper. Han har spilt i flere filmer. Han har blant annet både jobbet på Nationaltheatret og i Verk produksjoner. Og han er aktuell med flere podkast-episoder for Norsk Shakespearetidsskrift. Arbeidene hans er ofte undersøkende. I Vi folket (2019) og Den skinnende byen (2022) var det mytene rundt Amerika det ble forsket på. Her jobbet han også sammen med Camilla Vatne Barrat-Due og Signe Becker. Denne gangen er det det kinesiske landskapsmaleriet, Shanshui, som er utgangspunktet for undersøkelser. Denne tradisjonen bygger på motsetninger som samtidig er i kontinuitet og harmoni med hverandre, står det i programmet fra Black Box teater.

Været

Vi har et spesielt vær om dagen. Det har vært den varmeste mai-måneden mange av oss har opplevd, men i juni er det ekstreme byger av regn og hagl og ganske kaldt. Under slike forhold blir det utfordrende å spille uteteater. Da jeg møtte opp for å se Made in China torsdag kveld, ble det lyn, torden og så kraftige haglbyger at bakken ble hvit. Forestillinga ble avlyst og det var bare å dra hjem igjen og komme tilbake neste dag ikledd ullgenser, lue, votter og skjerf.

Hvordan mennesket påvirker naturen er noe Høiner har arbeidet med i for eksempel Den skinnende byen. Mennesket underlegger seg områder og utrydder andre arter. Tittelen Made in China gir assosiasjoner til billige produkter av plast, produsert på lite bærekraftig vis. Produksjon som påvirker klimaet negativt og som ja, fører til ekstremvær her hos oss.

I grønne skogen inne

Shanshui, plakatbilde til forestillingen

Like før forestillingsstart henter Høiner oss og vi går til spillestedet i skogen. Vi setter oss på de medbrakte sitteunderlagene på en «kvistbenk». I småskogen foran oss står tre høyttalere på stativ med grønt plastdekke på seg. Camilla Vatne Barrat-Dues lydverk strømmer ut av dem. Det er blant annet lange, høye og skarpe toner som hinter til teknologi og menneskelig aktivitet, og det er mykere, bløtere toner. Alt ganske enkelt, ikke komplekst. Det gjør at lyden lettere blir en del av det allerede eksisterende lydverket som finnes i skogen. Kanskje de lydene som finnes der allerede og som blir en del av verket, kan kalles «Found sounds»? Før vi hører noe som kan minne om menneskelige parringsbrøl fra noen vi ennå ikke kan se, og før vi får presentert Høiners scenetekst fra høyttalerne, skjer det mye på lydfronten.

I grønne skogen inne 2

I Den skinnende byen oppdaga innvandrerne til Amerika at det bodde noen i det lovede landet fra før. Der vi sitter på kvisthaugen i skogen ser vi at skogen ikke bare tilhører menneskeskapt aktivitet. Det sitter en rødstrupe på ei grein og ser på oss. Ei svarttrostmor hopper på bakken et stykke inn i skogen. Blir de forstyrra i hekkinga si nå når vi er der? En liten sommerfugl, en svermer, flyr forbi. Mygg er det ikke så mye av denne kvelden, det er for kaldt og vått til det. Bokfinkhannene later til å ikke bry seg. De synger så høyt de kan for å beskytte reviret sitt som de stort sett gjør. Først den ene og så naboen litt lenger bort i skogen. Litt usikker nå – var det en munk? Eller? Den ligna litt på en lauvsanger. Uansett, mye lyd foregår. Som et etterspill etter menneskelige parringsbrøl i skogen suser det kraftig i ospene over oss. Det knirker i to gamle bjørker. Det rasler i bladene på ei ung eik. Og det er virkelig mange forskjellige lauvtrær her: rogn, ask, lønn. Det er mangfoldig – og det er ikke stille.

Jeg – og du

Høiners scenetekst er en slags skapelsesberetning. Teksten har et «Jeg» som er som en bevissthet som er i alt. Og teksten henvender seg også til et «du». I programmet står det at den leker med panpsykistisk sanselighet og tilnærmingsmåte. Panpsykisme betyr altså at alt har bevissthet.

Teksten framføres gjennom de tre høyttalerne som står synlig blant trærne i skogen foran oss. Etter at teksten har presentert det allestedsnærværende «jeget», blir elementer av det skapte presentert. Det kan nesten minne litt om Inger Christensens diktverk Alfabet, der elementene i verden ramses opp alfabetisk på poetisk og rørende vis. Hos Høiner får vi for eksempel denne rekken:

Jeg ser amonitter arv bilder blod bier bambusskudd brekkvann blåbukker brevduer drager diamanter diagrammer døgnfluer engler enhjørninger fuglekvitter faner gauper issoleier krukker kurver kapper kjerrehjul koordinater kentaurer lunger lintøy lamoffer likposer latter melsorter menneskelighet menneskesønner maskiner slipesteiner slekter slakt slag søsken scener speil saft syner

Amonitter er altså mennesker som levde i Midtøsten for rundt 10 000 år siden, leser jeg på nett. Hovedstaden i Jordan, Amman, er bygd over de første bosettingene deres.

Menneskelig aktivitet

Foto: Espen Klouman Høiner

Tida går der vi sitter på kvisthaugen og av og til må åpne paraplyen for å unngå å bli gjennomvåte. Men tida blir fylt og fin. En pelsball kommer til syne langt inne i skogen – er det bison eller bever? Den ruller, den gis liv – animeres. Den lager ikke lyd som vi kan høre. Etter hvert kommer en skinnende skapning, langt inne i skogen den også, på vår høyre side. Den er høyreist og kan minne om en drage eller dinosaurus. Mens den går forbi langt der inne, skimter vi inni skogen på vår venstre side, noen menneskelignende, hårete dyr som løper. En stor uformelig hvit, rosa og gul skapning beveger seg også i skogen. De tar ikke kontakt med oss, de bare er der sammen med trær, insekter og fugler, før de forsvinner igjen. Til slutt kommer en sverm med små mennesker med masker. Maskene gir dem et insektpreg. De stopper et stykke fra oss og blir stående en stund før de forsvinner.

Og så stillhet?

Høiners tekst slutter som i William Shakespeares Hamlet: «Resten er stillhet». Men her lover Høiner for mye. For stille er det absolutt ikke. Vi er blitt bevisst alle lydene i skogen. Det er svisj, sus, og knekk. Det er fuglesang og regndrypp.

Aktørene som har vært med, kommer til slutt for å ta applaus. Jeg er litt usikker på om det fungerer helt bra her. Det hadde kanskje vært en like god avslutning å ikke la dem komme fram, men bare la aktørene fortsette å være mytiske, mystiske figurer vi kanskje har sett, og kanskje er det ingenting vi har sett. For som Høiner skriver: «Ingenting rommer alt».

Spriten kunsthall, Skien: RESULTAT GARANTERT

publisert på shakespearetidsskrift.no juni 2024

Skuespiller Gisle Hass og Liv Kristin Holmberg (i bakgrunnen), i «Resultat garantert». Spriten kunsthall, Skien 2024. Foto: Manuel Madsen

Et evangelium over ensomhet, avmakt og forsoning

(Skien): Scenekunstverket «Resultat garantert» i Spriten kunsthall i Skien har svært høy estetisk presisjon på alle nivå. Det er tett og klaustrofobisk og tar menneskelige erkjennelsesbehov på det dypeste alvor.

Av Elin Lindberg

RESULTAT GARANTERT

Komponist/manusforfatter: Stefan Thorsson

Scenograf/kostyme/effekter: Camilla Wexels Riser

Prosjektleder/dramaturg/utøver: Liv Kristin Holmberg

Skuespiller og medskaper: Gisle Hass

Musiker og medskaper: Ruhi Erdogan

Sceneinstruktør, koreograf og medskaper: Siri Jøntvedt

Andre medvirkende: Marthin Espeland, Pål S. Gumpen, Henning Dahle og Marianne Wedset.
Spriten kunsthall, Skien, nypremiere og urframføring 31.mai 2024

Resultat garantert er en del av et flerårig kunstprosjekt. Det ble starta i 2015 og har gjennomgått mange faser. Prosjektet er prosessorientert og har flat struktur. Deltakerne har lagt seg på hverandres fagfelt. I én versjon deltok lokale aktører, blant andre elever fra Skien videregående skole og Skiens sogneprest. Da ble publikum ledet rundt i flere rom i Spriten kunsthall. I den versjonen som vises nå, er ikke det lokale perspektivet like framtredende. Det er skuespiller Gisle Hass, musiker Ruhi Erdogan og koreograf Siri Jøntvedt som er de sentrale aktørene og medskaperne denne gangen. Musikk og scenografiske elementer av svært høy kvalitet, er fortsatt bærende elementer i stykket.

Prologen

Utenfor Spriten kunsthall i Skien står en container der det vises en prolog til Resultat garantert. På bakveggen inne i containeren blir det vist en gammel Hollywood-stumfilm om Moses som leder sitt folk ut av Egypt, får tavlene med de ti bud og slår ned dansen rundt gullkalven. Den er fra 1923 og Cecil B. DeMille hadde regi. Den er teatralsk og dramatisk. Dette er den jødiske – og også den kristne – urhistorien. Det er historien om at Gud gir jødene et landområde der det bor noen andre. Kamper mellom folkegrupper har det vært i disse landområdene veldig, veldig lenge. I Bibelen heter de som bor der filistere, og de er de samme som vi i dag kaller palestinere. Med det pågående folkemordet i Gaza er det umulig å ikke knytte filmen til dette. På benkene langs langsidene i containeren ligger det klær. Det er dresser i mørke farger. Hvem har eid/eier disse dressene? Kunne det vært mennesker som har blitt frakta rundt i containere? Menneskesmugling? Mennesker i trange farkoster som er frakta over Middelhavet? Omgivelsene inviterer til slike assosiasjoner.

Mens vi ser den gamle stumfilmen med de store teatralske gestene, hører vi Gisle Hass lese en tekst på voice-over.

Steppeulven av Herman Hesse har vært et fundament i arbeidet, men forestillingen har etter hvert løsrevet seg mer og mer fra dette forelegget, opplyser Liv Kristin Holmberg. Det er komponist Stefan Thorsson som har skrevet manus i dette prosjektet, sangtekstene som framføres seinere i forestillinga har tekster av Herman Hesse. Hass leser rolig og enkelt om hvordan han får dagene til å gå, han leser om individets hverdagslige liv, mens Moses og jødene vandrer i ørkenen mot Kanaans land.

Eksklusivt

Gisle Hass. Foto: Manuel Madsen

Så starter selve stykket og vi blir ledet inn i Spriten kunsthall. Vi er ikke et stort publikum, flere er det nok heller ikke plass til her. I andre produksjoner jeg har opplevd der Liv Kristin Holmberg har vært prosjektleder, har det også vært følelsen av eksklusivitet og at den enkelte publikummer blir tatt godt vare på, men at det også kreves noe av hver og en. Deltakelsen gir deg på en måte et ansvar for rollen som vitne og medskaper. Allusjonen til Steppeulvens «Magiske teater», der bare forrykte har adgang, er det ikke uvanlig å støte på i teatersammenheng. Et rom i dette magiske teatret heter Resultat garantert. I denne romanen møter vi den femtiårige Harry som er i en eksistensiell krise. Det er Gisle Hass som er skuespiller her. Siri Jøntvedt har koreografi. Vi blir først ført inn i et rom med en seng, og en stol der Hass sitter kledd i dress. Rommet er opplyst av levende lys. Klassisk musikk. Publikum står rundt langs veggene. Hass sitter. Vi roer oss ned og legger den varme maisommerdagen bak oss. Det blir et slags renselsesrituale før vi går inn i forestillingsrommet.

Inn i det indre

Det er Camilla Wexels Riser som er scenograf. Objektene hun har laget er bygd av brukte møbler. De er bygd om og svidd/brent. Alt er svart og sotet, men ser samtidig stedvis pleid og polert ut. Møblene er forvridde og skakke og ser ukomfortable ut. De kler Steppeulvens verden. Enorme, hvite «scenetepper» som er laget av hvite militære vinter-kamuflasjenett, dekker to av sidene. De ser nesten ut som om de er laget av papir som er sirlig klippet mønster i. Et blankt stofforheng dekker litt av en av langveggeneKomponist Stefan Thorssons musikk i opptak spiller med i rommet. Trompetist Ruhi Erdogan framfører noe av det live. Stefan Thorsson synger selv sangene med Hesses tekst. Liv Kristin Holmberg, Siri Jøntvedt og Camilla Wexels Riser deltar også vokalt.

Stefan Thorsson. Foto: Manuel Madsen

Gisle Hass beveger seg i Jøntvedts koreografi. Han er en meget dyktig og erfaren fysisk utøver. Han har tidligere jobbet mye med Grusomhetens teater. Han forteller at han har isolert seg i denne leiligheten for å leve sitt behagelige lunkne liv. Han vil ikke ha noen forstyrrelser utenfra. Den eneste kontakten han har med omverdenen er avisen som kommer hver morgen.

Å leve med grusomheten

Herman Hesse skrev Steppeulven i 1927. Erfaringene fra første verdenskrig verket fortsatt i menneskene. Hvordan leve et vanlig liv med disse erfaringene? Hvordan leve et normalt liv med kunnskapen om grusomhetene som foregår i verden? Mannen i scenerommet insisterer på at han vil leve så behagelig og begivenhetsløst som mulig, men det ligger en spenning og en desperasjon under overflaten. Rommet er klaustrofobisk. Hass beveger seg rundt, han er bare et par centimeter fra oss. Vi er tett på. Det er trykkende. Det er krevende. Samtidig oppstår det en slags forsoning med dette tunge og alvorlige.

Alle er alene

På møblene er det montert små skilt der det står på tysk «jeder ist allein» (alle er alene). På et papir vi ser når vi går inn i scenerommet, står det skrevet med blekk: «Einsam ist jeder busch. Einsam ist jeder Stein. Kein Baum kennt den anderen, jeder ist allein». Vi er alene, vi er individer.

Også stolene vi som publikum sitter på virker individuelle. De ser ut som stoler som er fra samme periode som mange av møblene scenografien er laget av. Det gir scenerommet et ytterligere gjennomført preg. Alle detaljer er presise. Det er virkelig en estetisk glede å oppleve stykket. Ja, utsøkt. Det presise og kanskje også pertentlige kler hovedkarakteren som kjemper for å holde alt så normalt og kontrollert som mulig. Rommet består like pertentlig når vi forlater det, bortsett fra en istykkerrevet avis (Die Zeit). Men det enorme trykket, det innestengte, letter i det Hass til slutt åpner døra og vi slipper ut i den varme maisommerkvelden. Seansen har vært krevende, også tyngende, men likevel en dypt bevegende og verdifull erfaring.

Nationaltheatret: Nattergalen

Per Christian Ellefsen som Nattegalen, regi: Ole Glushkov. Nationaltheatret 2024. Foto: Erika Hebbert

publisert på shakespearetidsskrift.no januar 2024

Overlesset H.C. Andersen

Nattergalen på Nationaltheatret, avdeling Kanonhallen, har flere gode ansatser, men stykket blir rotete og kommer ikke helt i mål. Skuespillerne er supre, men at dette er avskjedsforestillinga til Per Christian Ellefsen er trist på flere vis. For selv om han har tittelrollen, er han alt for lite med, og som den fremragende teaterskuespilleren han er, hadde han fortjent en bedre avskjedsforestilling.

Av Elin Lindberg

NATTERGALEN av H.C. Andersen

Dramatisert av Kristofer Grønskag. Etter en idé av Oleg Glushkov

Regi: Oleg Glushkov

Scenografi: Gjermund Andresen

Kostymer: Anette Werenskiold

Komponist: Sjur Miljeteig

Lysdesign: Marte Elise Stormo

Videodesign: Mattis Larsen

Maskør: Eva Sharp

Dramaturg: Njål Helge Mjøs

Nationaltheatret, Kanonhallen, urpremiere 20. januar 2024

Nationaltheatret inviterer til Nattergalen slik: «Gled deg til en overraskende, rørende og sprudlende teateropplevelse i H. C. Andersens eventyrunivers!» Og ja, jeg hadde faktisk gledet meg til det – Per Christian Ellefsen som Nattergalen – det kunne bli skikkelig artig. Og så spennende og forfriskende med en ny regissør: Oleg Glushkov. Han er koreograf og har gjort koreografi i en rekke teateroppsetninger både i Norge og i andre land. Han har også erfaring med koreografi med og for barn. Det er antydninger av interessant koreografi i Nattergalen, men teksten og den overlessede historien kommer i veien for det som kunne blitt det Nationaltheatret lover i programteksten sin. Sist Nationaltheatret satte opp Nattergalen av H. C. Andersen var i 2005. Det var en stor oppsetning med masse skuespillere. Kjetil Bang-Hansen hadde regi og Anne Marit Jacobsen spilte Kunstfuglen.

Litteratur

Tone Mostraum som keiseren. Foto: Erik Hebbert

For å forberede meg til Nattergalen leste jeg noen H. C. Andersen-eventyr. De tåler tidens tann. De er formfullendte kunsteventyr og har høy litterær kvalitet – og de står helt fint alene hver for seg. Men de inneholder også selvfølgelig historiske elementer som sikkert verken barn eller foreldrene deres kjenner til – hva er for eksempel et fyrtøy? Nationaltheatret presenterer H. C. Andersen som «folkekjær» – er han fortsatt det? Kjenner barna til disse eventyrene? Jeg er litt i tvil. Og da blir det nok ganske krevende å forstå tre eventyr som er lagt oppå hverandre – Nattergalen, Keiserens nye klær og Ole Lukkøye. I tillegg er det et metaunivers her. Det blir så mye å holde styr på at det kanskje har gått litt i ball.

Stiv scenografi

Scenerommet i Kanonhallen er ikke særlig fleksibelt med sine faste publikumsamfi som står mot hverandre og scenerommet i midten. I Nattergalen er scenografien en konstruksjon som kan minne om klatre/leke-stativ som finnes på lekeplasser. Det er en «vei» som slynger seg i flere høyder. Den inviterer både til catwalk og lek. Den er «gullforgylt», men framstår likevel som litt stiv og hverdagslig. Jeg skulle ønske at de øyeblikkene der scenografi og koreografi fungerer best hadde blitt utvidet. Det er for eksempel når skuespillerne tar med barn fra salen opp og lar dem spasere og posere som kongens bursdagsgjester, men det varer for kort. Også når skuespillerne får boltre seg med morsomme danse-moves og gyselig-groteske, men også artige og fantasifulle kostymer i starten, er det virkelig lovende, men det varer dessverre heller ikke så lenge.

Hanne Skille Reitan og Sigurd Myhre. Foto: Erik Hebbert

Tung historie

I tillegg til hele tre H. C. Andersen-eventyr har forestillinga en rammehistorie. Vi er på et filmsett og blir ønsket velkommen av innspillingslederen (Hanne Skille Reitan). Nationaltheaterdebutanten Fridtjof Stensæth Josefsen spiller den unge og ambisiøse filmregissøren som skal lage en prisvinnende film. Noen småmorsomme øyeblikk er det i starten, for eksempel når Tone Mostraum som skal til å gå inn på scenen som kongen, smisker med den unge regissøren og sier noe sånt som: «Jeg pleide å jobbe med faren din vet du». Men dette er det nok bare de voksne som synes er morsomt. Tone Mostraum er ellers fin som den bortskjemte kongen. Hun er vel det egentlige omdreiningspunktet i denne historien. Sigurd Myhre er stødig og solid som den nokså groteskt kostymerte Ministeren for finere ting, med lassevis av fløyel og en merkelig frisyre. Hanne Skille Reitan er herlig som kokkejenta som forteller kongen at han er naken og at hun kan se tissen hans. Fridtjof Stensæth Josefsen spiller selv i dette som i utgangspunktet skulle være en film. Han er en energisk og plastisk førsteminister. Og i rammehistorien er han far til barna som ringer og lurer på hvor han er – skulle de ikke på seiltur? Skulle de ikke leke? Telefonen de ringer til er en stasjonær 70-tallstelefon. Filmregissøren har problemer med penger. Bank-bank-Bob (Per Christian Ellefsen) ringer også stadig vekk. Rammehistorien hjelper ikke stykket – tvert imot. Det gjør at historien om kongens bursdagsfest der han blir lurt til å gå naken og vil ha nattergalen som synger så fint og så tar til takke med en mekanisk en som synger heismusikk, bare blir bruddstykker. Hverken rammehistorien eller eventyrene kommer i mål.

Fuglen er fløyet

Selve poenget med at nattergalen som synger så vakkert, stopper å synge når den blir satt i bur, kommer ikke fram. Og Per Christian Ellefsen som selve Nattergalen, kommer heller ikke så mye fram. Det er synd. Nattergalen er en hånddukke som Ellefsen spiller. Den er ganske søt og hadde fortjent å flere «replikker» eller å ha kommet mer i fokus. Når den synger spiller den på en liten trompet. Sjur Miljeteig har laget en nydelig sang til den som Ellefsen plystrer til. Det blir fint og nesten magisk.

Slutten blir skikkelig dyster når Ole Lykkøye (Hanne Skille Reitan) kommer inn og synger en godnattasang for kongen og filmregissøren som skal dø. Dør filmregissøren? Det er uklart. Det er også uklart hvorfor forestillinga hadde pause midt i. Scenografien var den samme da vi kom inn til andre del. Da hadde vi vært ute i den iskalde foajeen på Kanonhallen. Det snødde ute, det dryppet vann fra taket, det strømmet vann inn på gulvet. Noe godt midlertidig lokale for Nationaltheatret, spesielt vinterstid, er ikke Kanonhallen. Det haster virkelig med å få pusset opp Nationaltheatret!